「レアンドロ・エルリッヒ展 見ることのリアル」に行ってきた！

先日，「レアンドロ・エルリッヒ展　見ることのリアル」
（https://www.mori.art.museum/jp/exhibitions/LeandroErlich2017/）に行ってきた！彼のことよく知らないまま，友人に誘われるまま，これといった先入観も持たずに行ってみたのだが，あっと驚くようなユニークで凝った作品が集まっていて，すごくすごく楽しい時間を過ごした。

「反射する港」

今回展示してあった作品は，「そうくると思ったでしょ？でも実は違うんだよねー」というのが多い。私たちは日常生活で実際に目にしたものをたくさん記憶に残している。作品を見ると，それらの記憶が呼び起こされて，私たちは見たものが何なのか理解する。でも，よくよく見ると，実際に触ってみると，思っていたのとは違うことに気づく。なぜならそれらは，意図的に，人工的に作られたものだからだ。
例えば，最初の展示物の「反射する港」。普通に見ると，水面に浮かんでいる手漕ぎボートだ。それこそ井の頭公園にありそうな…。しかも，少し揺れていて，じっと見ていると，風のせいで揺れているように思えてくる。でも，このボート，本当は水に浮いていないし，会場に風も吹いていない。水面に反射しているように見える部分は作られたもの。ボートの形や色だけでなく，オールまで，反射したらどう見えるかが再現して作られている。揺れがどのように起こされていたのかは私には分からないが，それも人工的に作り出されたものだ。

「美容院」

「美容院」もそんな作品の一つ。普通に見ると，美容院のよくある光景。施術椅子とその前にある大きな鏡，鏡の前の台にはタオルやボトル，ブラシなどの美容院グッズが置かれている。でもこの場所，実は鏡がない。ただ枠があるだけなのだ。枠を隔てた向かい側に，鏡に写ったように見えるように椅子やタオル，ボトル，ブラシなどが置いてあるだけ。作品内には施術ブースがいくつかあるのだけれど，一部は先に書いたような鏡のないブース。でも，ちゃんと鏡があるブースもある。どっちがどっちか，見ていると混乱してくる。さて，写真に写したのはどちらのブースでしょう？

「眺め」

「反射する港」や「美容院」とは少し作風が違うのだけど，「眺め」という作品も好きになった。ブラインドがかかっている窓を覗くと，窓のようなもの（実際はスクリーン）がいくつかついているアパート（マンション？）のようなものが現れる。そこのスクリーンで流されているのは，アパートの一室で繰り広げられる光景。その部屋で何が起こっているのか，住人たちが何をしているのか，覗き見できるというわけだ。ある部屋では夫婦が卓球を楽しみ，ある部屋ではヌードモデルがベッドに横たわって画家に絵を描かせ，また別の部屋では，口論しているカップルがおり，空き巣に入られてる！？みたいな部屋まである。どの映像も違うから，がんばっていろいろ見ようとするのだけど，ブラインドが邪魔をしてよく見えないのがまたもどかしい…。覗くのって楽しいのねと思った瞬間だった。

他にもいろいろな作品があるので，ぜひぜひ足を運んでみてほしい！それぞれの作品にはいろいろ仕掛けがされているから，作品を見たり体験したりしながら，驚いたり発見したりできること間違いなし！！そぅそぅ，「試着室」では迷わないように注意してくださいね…

全部の作品を鑑賞し，改めて本展示会のロゴを見ていたら…あっ！彼の作品にちなんだシンボルがロゴにいろいろ含まれているではないか！なんてオシャレで可愛いロゴなのだ…！作品を思い出しながらニヤニヤしてしまった。

雲，階段，ボートが！

エレベーター，プール，階段が！

ちなみに，「レアンドロ・エルリッヒ展」のチケットを購入すると，その下のフロア（52F）にある東京シティビューにも入場できる。こちらは，展望台になっていると同時に，いくつかのアート作品も展示されている。天気がとても良かったので，これぞ東京！って感じの贅沢な眺めを堪能できた。見渡すかぎりビル，ビル，ビル！

東京タワーとビル！

遠くにスカイツリー，そしてビル！

アート作品は，テクノロジーを使ったものが多かった。ピアノの鍵盤をたたくと，その音に紐付いた香りが漂う仕掛けの楽器とか，地球に見せた球体の中心部をストローで吸うと水も緑もなくなって，荒廃してしまうのとか。

人がいっぱいだよ！

平面だよ！

視覚トリックを使った作品（右）と人形の光が動いていく作品（左）が印象的だったかな。右の作品は，平面に映像を流して，山の季節の移り変わりを表現したものなのだけど，そもそも山に何本も線が引いてあって，その線同士の幅の違いや線同士が作る形を利用して山を立体的に見せてもいる。左の作品は，光を使ってネットの筒（多分）のようなものに人形を映している（多分）のだけど，光の当て方によって，人形が筒の形状に沿って動いていく。大きくなったり，小さくなったり，人が増えたり減ったりして，ちょっと幻想的な光景だった。

本当にいろんな人がいろんな作品を作っているなと思った。いろんなアイディアに触れられた。

※レアンドロ・エルリッヒのインタビュー記事と作品のいくつかが見られます。
https://numero.jp/interview67/

素描せよ，時間を無駄にしてはならない ―レオナルド×ミケランジェロ展

自分で絵を描き始めてから，人の描いた絵を観る時間が今まで以上に多くなった。特に，素描や原画は本当によく観るようになった。観るというよりも観察するといったほうが近いかもしれない。線の太さ，傾き，影の濃さ，パーツの形や位置，全体におけるバランス，リアルさ，それらをじっくりじっとり見まくる。そして自分の描く絵に反映させたい。うまくいっているかどうかは微妙なとこだが，少なくとも自分の絵との違いは分かる。そもそも描く線が違うのだ。線の太さ，傾き，繊細さ，他の線とのバランス，全体における統合感…線が美しい絵は美しい。私は線が美しい絵が大好きだ。美しい絵はずーっと見ていられる。心を引きつける。

レオナルド・ダ・ヴィンチ
「少女の頭部／《岩窟の聖母》の天使のための習作」

そんなわけで，三菱一号館美術館で現在開催されている「レオナルド×ミケランジェロ展」に行ってきた（http://mimt.jp/lemi/）。レオナルド・ダ・ヴィンチにミケランジェロ！ルネサンス期の代名詞ともいえる芸術家。彼らの遺した作品，特に素描作品を展示する作品展ときたら，線好きの私には行かないという選択肢はない！

美術館に入り，いざ展示へ…。最初に出迎えてくれたのは，彼らの肖像画と，彼らの素描の代表作とされている顔貌作品である。ここにある写真は，美術館内にフォトスポットとして用意されていた，元の絵を拡大したパネルだが，展示ではもちろん原画が迎えてくれる。どちらも本当に本当に美しい。かれこれ30分以上もこのセクションに滞在してしまった。

レオナルド・ダ・ヴィンチの作品は，金属尖筆で描かれている。細く繊細な線がいくつも組み合わさり，柔らかい女性の表情を作り出す。まぶたの丸みとか，唇のぽてっとした感じとか，絶妙な陰影具合とか，金属尖筆1本でどうやって生み出してるんだ！という感じ。まぶたや鼻や頬骨のところには鉛白によるハイライトがついているが，そのハイライトでさえあるべきところにあるべき分量で載せてあり，今にもこの女性が絵から飛び出してきそうなくらいリアル…。

ミケランジェロ
「《レダと白鳥》の頭部のための習作」

一方，ミケランジェロの作品。こちらは赤チョークで描かれている。レオナルド・ダ・ヴィンチの線に比べ，ミケランジェロの線からは力強さや生き生きとした感じを受けた。それから漂ってくる温かさ。レオナルド・ダ・ヴィンチの上の絵からは，繊細なのにどこか冷たい感じを受けた。これは描いている道具から来る違いなのかもしれないが…。私はこの絵の，鼻の頭や目元，耳のフォルム，陰影の感じ，布の感じ，左下の絵に描かれたまつげにとても惹かれる。顔周りや頭部周りに，試行錯誤した跡のようなものがあるのもなんかいい。

ミケランジェロ
「背を向けた男性裸体像」

展示してあったのは顔貌だけではない。解剖学にたしなみ，人の身体に精通していた彼ら。彼らが生み出した素描の人体は恐ろしいほどよくよく観察されたものである。なぜそこまで見えるのか，そして正確に描写できるのか，知りたくてたまらない。リアルな描写に彼らの考える美が足された素描は本当に本当に美しい。なかでも私が気に入ったのがこの1枚（原画はすべて撮影不可のため，図録の絵を撮影）。筋肉，骨格，身体のしなり，おしりのフォルム…男性の身体美があますところなく描かれ，惚れ惚れする。もはや感嘆のため息しか出ない。

素描以外にも印象に残ったものがある。それは，レオナルド・ダ・ヴィンチの鏡文字満載の手稿と，ミケランジェロ―カヴァリエーリ間でなされた愛情あふれるお手紙。イタリア語はさっぱりなので何が書いてあるかは解説・翻訳に頼るしかなかったのだが，レオナルド・ダ・ヴィンチの手稿からは，彼の細かさというか緻密さ，それから探究心がにじみ出ている。というのも，天体や武器，馬の鋳型の作り方など多岐にわたって細かく絵入りで書き留めているからである。お手紙のほうは，なんともほほえましいものであった。なかなか返事をくれないミケランジェロにカヴァリエーリが小言を言って…という前置きの元，ミケランジェロがカヴァリエーリに送った手紙とそれに対するカヴァリエーリからの返事が展示されていた。ミケランジェロのちょっと必死になっている感じ，焦っている感じが内容に表れていたように思う。カヴァリエーリはそんなミケランジェロの言葉をおおらかに受け止め慕う，という感じだろうか。こんなふうに言葉を尽くして愛を伝え合える関係はいいなと思う。

ところで，本記事のタイトルの「素描せよ，時間を無駄にしてはならない」は，ミケランジェロが弟子のアントニオに言った言葉として残っている。レオナルド・ダ・ヴィンチもまた，素描を大事にしていた。「画家はまず，優れた師匠の手による素描の模写に習熟しなければならない」といった言葉を残している。私自身絵を描き始めて感じたことだが，デッサンは本当に難しい。モティーフのデッサンや写真や絵の模写など鉛筆と消しゴムだけで600枚近く小さい絵を描いているが，自分の気に入る線を引けていない。ミケランジェロも「素描せよ」と言っている。素描を続け，いつか自分の納得のいく線を引けるようになることに期待したい。

絵を描くこと

最近絵を描いている。鉛筆でのデッサンが多いが，色鉛筆やクレヨン，カラーペンもちょこちょこ使ったりして，とにかく描いてみようかなと感じたものを何でも描いている。これまでに，おうちにあるもの，目にした風景，ネットにupされている写真，テレビ番組で気に入ったシーン，外を歩いていて見つけたもの，模写，キャラクター，自分などを描いた。

私は絵を描くのが苦手だと長いこと感じていた。小さい頃は好きだったような気がする。数ページで終わったが自作の漫画を描いたことがあったし，小学生のときに参加した工場の壁への壁画プロジェクトは本当に楽しかった。でもいつからか絵を描かなくなり，美術の授業で大失敗作を生み出してしまったりして，美術から遠ざかっていった。大人になってから絵を描く機会はたまにあったけれど，何を描いたらいいか分からなかったり，何か描いたとしても幼稚過ぎる絵ばかりで，そうこうしているうちに絵を描くことへの苦手意識はけっこう膨れ上がっていた。

1ヶ月くらい前だろうか。年明けからそれまで研究のための本をいろいろ読んで短いレポートを書いたりしていたのだが，行き詰まり，一気に勉強する気を失ってしまった。そんな話を友人にしたら，絵を描くことを勧められた。苦手なことをするのはいつも躊躇するのに，そのときはなぜかすんなり描こうと思えて，近所のダイソーに行ってスケッチブックやカラーペンなどを買ってきた。で，早速描いてみた。最初に描いたのはうちにあるキャラクターのぬいぐるみだ。その後，そのキャラクターの服装を変えたりして新キャラクターを描いてみた。その後，なぜか地球や惑星の絵を描いていたのだが，思いついたことを絵にするとろくな絵が描けないから嫌になってきて，見て描ける周りにあるものを描くことにシフトした。そんな調子でそのときからほぼ毎日，何かしら描いている。

絵を描きながらいろいろ気づいたことがあった。
1つは，絵を描いている時間が心地よい時間だということだ。見ては描いて見ては描いてを何度も何度も繰り返しながら1つの絵を完成させていくのだけど，その時間は対象を見ることと描くことに精神が集中されている。そのときはたいてい，頭の中で言葉が消えている。言葉が浮かんできたとしても，この線はこれくらいの長さとか，ここの角度はこれくらいとか，絵を描くのに用いるものばかりである。日々の生活でなんとなくもやもや浮かんでくるような言葉はすべてなくなり，まとまりのない考えもなくなり，ただ見て描く，それだけの時間である。それがとても心地よく，心に落ち着きが生まれている。

2つめは，見ていたはずなのに見ていなかったことばかり，ということだ。例えば普段使っているコップを描くとする。まずは見ないで，記憶の中にあるコップを思い出して描く。毎日使っているから描けるだろうと思いきや，実際に描いてみるとろくなものが描けないことが分かる。そして実際見て描いてみると，ここはこうなっているのか，というのがわんさか見つかる。そうすると，これまで私の頭の中にあったコップ像はなんだったんだろうと思えてくる。知覚や注意，記憶のシステムを考えれば，見ていたはずなのに見ていなかったと感じるようなことが起こるのは普通のことなのだが，コップ1つでこんな調子なのだから，そのほかの多くのこともそんな調子に違いない。私の頭の中には大量の知ってるつもりがあるのだろう。

3つめは，対象に含まれるパーツはすべてそこにあるべくしてあるんだと思うようになったことである。絵を描くとき，そこにある対象に似せた絵を描くには，よくよく観察し，それを紙に描いていくこととなる。私の描く線はほとんど一発で決まらない。描いた絵を実物と何度も見比べ，ズレを何度も修正している。なぜなら，線や角度，傾きなどが対象のそれとずれて描かれたものは何か違和感を感じるからである。よく観察しながら部分を描いていっても，ある程度描いてから描いたもの全体を見てみると，違和感を感じることがある。そういうとき，描いたものをさらに観察してみると，描いたものの一部の線の長さや角度，比率がずれているのである。ちゃんと見て描いたはずなのになんで！？となることもしばしばだが（ここでも上記した感覚に陥る），さらに見て修正し，長さや角度，比率を地味に変えていくとそれほど違和感を感じなくなってくるのである。

そして最後は，絵は練習すれば描けるようになるということである。「私絵うまくないから」と私はこれまで何度も発してきた。今だってもちろん全然うまくない。でも，絵を描き始める前の私が今描いている絵を見たら，「あれ？私こんなに描けたんかい」と絶対びっくりすると思う。時間を使う，対象をよく見る，細部まで疎かにしない，ことを心がけるだけでも絵を描くことができる。とはいえ，絵を描くコツや技法もある。絵を描き始めて2週間くらい経ったころ，ベティ・エドワーズの「決定版　脳の右側で描け」を読みながら，そこに載っていた課題を描きながら，10日間くらいで初歩的なことを学んだが，よりリアルな絵を描くのに有益なものだった。

描いた絵は，Instagramおよびtwitterにupしています（どちらにも同じ絵をupしています）。興味がある方はどうぞ。上手でないことは重々承知しているので，寛容な心で見ていただけるとありがたい。
Instagram:　https://www.instagram.com/yukiron_y/
twitter:　https://twitter.com/yukiron_y

本レビュー エイミー・E・ハーマン「観察力を磨く 名画読解」

最近絵を描いている。それで絵に関する本をググっていたときに見つけたのが，エイミー・E・ハーマン「観察力を磨く 名画読解」である。先日ブログで，「一次情報」は思考することの起点になるため重要ね（http://yukiron.blogspot.jp/2017/03/blog-post.html）という話を書いた
が，その一次情報を手にするにはどうすればいいのだろうか。答えはいくつかあると思うが，その1つは観察することだろう。ただ見ることと観察することは違う。対象を正確にとらえること，つまり，対象そのものを細部まで，バイアスをできるだけ排除して観ることがまず観察することの第一歩だと思う。そしてそこから，ちょっとした違和感（それは多分基準とのずれや論理的整合性だと思うが）を感じられるレベルにまでなれば，それまで見えていた景色は一変しているに違いない。なんせあのシャーロック・ホームズの推理も彼の卓越した観察力なしではありえないのだから（シャーロック・ホームズは架空の人物だが，実在した人物（ジョセフ・ベル）がモデルとされている）。

リンク

著者は，歴史的名画を使って観察力を高めるためのトレーニングを警察官や医学生などに提供している女性だ。本にはいくつかの絵が読者向けのトレーニングとして載っているが，やることはとてもシンプル。絵を観察し，観察内容を客観的な表現で描写したり，観察内容からその絵に描かれている事象の背景を推測したりする。これだけである。これは実際にやってみると分かるのだが，観察することに慣れていない人にとってはけっこう根気のいるトレーニングである。なんといっても，絵を観察すること自体，それなりの時間を要する。絵の全体から，細部から，何がどう描かれているかを把握していくプロセスだからだ。たとえば女性が描かれた絵。そこには観察するところがたくさんある。髪の長さは？，髪や肌，目の色は？，どんな服装をしている？装飾品は？体型は？表情は？…。挙げればキリがない。しかも，視点を変えたら見えているものもまた変わってくる。絵画よりも変化が大きいのが3次元の物体であろう。この本ではミケランジェロのダビデ像も取り上げられていたが，それがいい例である。そして，客観的に表現することも慣れていない人にとっては大変である。普段の会話でよく使う，大きい，長い，多い，気持ち悪いといった，そういう主観的であいまいな表現を用いてはいけない。○○と同じくらいの大きさとか，○㎝くらいとか，○本の線とか，○○な形の○○色の…とか，伝える相手との間で共通的に持っている指標による表現をすることを求められる。そうすると，相手と正確に情報を共有することができる。また，自分の持つバイアス（これまでの経験や持っている知識，そのときの感情など）から離れて事象を捉えることにも貢献するだろう。背景の推測については，例えば窓の外の部分はオレンジ色に塗られているから夕方の出来事を描いているんだろうとか，トーンの変化から光源の位置を推測するとかの，比較的自分の持っている知識だけで完結できるものから，絵に描かれている帽子は○○年ごろ流行っていたから，この絵が描かれてたのは○○年くらいで，この絵に描かれている部屋の内装から，当時人気のあった○○という場所だと考えられる，など，新たに手に入れた情報・知識を取り入れながら推測を進めていくものまでさまざまである。

著者によれば，歴史的名画というのは，作者やタイトル，描かれた時期をはじめとし，その絵に関して明らかになっている情報があるとのこと。それゆえ推測の答え合わせもできる。だから名画をトレーニングに使うとよいとのことであった。絵画を使うと観察力が磨かれるか否かについての学問的な実証はなかったが，著者のトレーニングを受けた人たちにそのスキルがどう活きているかのストーリーや好意的なコメントが掲載されていた。観察を実践することで気づきが増え，それによってこれまでとは異なる考えが生まれたり，問題解決に至ったり，というのが褒美のようである。

観察するという行為は時間さえとれればどこでもできる。名画の写真はネット上に落ちているし，それが無理でも身の回りのものや外の景色だって立派な観察対象だろう。1日数分でも観察することに時間を費やしてみるのはどうだろうか。

「ゴールドマンコレクション これぞ暁斎！」に行ってきた

先日，渋谷で開催中の企画展「ゴールドマンコレクション　これぞ暁斎！」（http://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/17_kyosai/）に行ってきた。絵師の河鍋暁斎を知ったのはほんの数週間前。「春画！」とタイトルにひかれておもわずクリックした「暁斎春画」のレビュー記事（http://honz.jp/articles/-/43866）を読んでいたら，暁斎の描いた絵を実際に見てみたくなった。鯉のぼりの中に入って事を致している姿を描くとか，せんすを障子に見立て，表面と裏面を使って，障子を貫通してつながっる様を描くとか，「なんて粋なことするんだー！」である。それでぜひとも現物を見なくてはとなったのだ。

平日の昼前後に行ったこともあって，有閑マダムの方々で少し混雑した会場だったが，合計180点弱の作品をゆっくり観ることができた。蛙や烏，きつね，猿，人間，幽霊，鬼，鍾馗，七福神，釈迦…彼は実にさまざまなものを描いていた。しかも描き方もさまざま。細くて繊細な線によって細かく細かく描いている絵もあれば，太い筆を使って一気に描き上げたんじゃないかと思える絵もある。色使いもしかり。はっきりくっきりした色を組み合わせて豪勢に仕上げたものも，淡いぼやっとした色によってふんわりとした感じに仕上げたものもある。暁斎は5～6歳の頃から絵を描いていたらしいが，彼の絵の技術はたくさんたくさん描いて身につけた賜物なのだろう。

展示してあったほとんどは，創作の絵である。動物や幽霊たちが人間のように宴会さながら騒いでいる絵は，観ているこっちまで楽しい気分にさせてくれる。扇子をもって踊る蛙やねずみ，太鼓をたたくうさぎ，三味線を鳴らす骸骨，かぼちゃの追いかけっこなどなど，愉快なアイディアにあふれている絵が多い。なんだか昔話の世界にいるかのような気分になってくる。たくさんの対象が絵の中に描かれているものについては，描かれている1つ1つの対象がそれぞれ魅力を持っていて，それでいてあるべきところにあるべきものがある印象。だから全体としても1つに調和している感じがする。

暁斎の絵を観ているとほっこりとしたあったかい気持ちになる。今回展示されていたのは楽しい絵が多かったのだけれど，大笑いするようなおかしさではなく，思わずクスッと笑ってしまうようなもので，しかもどこか懐かしい感じがする。それに絵を観ていると，暁斎はきっと絵に描いている対象を愛おしく感じながら描いていたんじゃないか，と思わずにはいられない。絵が柔らかい雰囲気をまとっているからだと思うが，怖い顔をしてガリガリ描いている姿が想像できない。

さて，冒頭でちょっと触れた春画は，但し書きの置かれた展示会場の一角に10点くらい展示してあった。前出のHONZのページに載っているもの＋他の数点である。春画ってなんでこうもエロく感じるのだろう。エロ本やエロ動画などのリアルエロを観るよりエロい気分になるのは私だけだろうか。……春画について今回はひとまずこれくらいにして，もう少しいろいろ見てからまた改めて書くことにしようか。

そんなわけで心地よい時間を過ごせた暁斎展。まだ会期中なので時間のある人はぜひ。

漫画展に行ってきた

東京，日比谷図書文化館で開催されている「江戸からたどるマンガの旅　鳥羽絵　ポンチ　漫画」展に行ってきた（http://hibiyal.jp/hibiya/museum/edo-manga2016.html）。江戸中期～昭和初期くらいの間に世に出された，漫画や庶民に親しまれた絵を多数展示している。

江戸時代に描かれた戯画は見ていて飽きない。動きを大きく描く手法で描かれた庶民の何気ない生活の絵を見ていると私まで元気になるし，おっちょこちょいな人間やおとぼけな人間が描かれた絵は，つっこみどころ満載で思わずクスッと笑ってしまう。「遊び絵」と呼ばれるジャンルの絵は，アイディアがいい！たくさんの人を組み合わせて，一人の顔を描いたり，人がどうポーズして影絵を作っているかを描いていたり，文字を形を生かして何らかの絵を描いたり。影絵の絵は，影絵自体はとても美しいのに，それを作るためにポーズしている人がおかしな感じで，そのギャップがまたよかった。

江戸の戯画では，吹き出しも描かれているんだけど，現代のものとはけっこう違っている。まず吹き出しの中身が多い。絵にしろ，文字にしろ，1つの吹き出しにたくさん書いてある。それから，吹き出しが人の胸から出ていたり，口にくっついて出ていたりする。江戸時代の文字が読めたら，吹き出しに書かれていることもちゃんと読み取れたのに！と思うと，少し残念だったが，解説されていた吹き出しの中身を読む限り，今の私たちと考えていることはそうそう変わらないようだ。なんだか親近感がわくし，あんまり進歩してないんだなーとも感じる。

江戸時代の絵には，人以外にも，動物や妖怪の類がよく登場していた。鬼や天狗，化かし狐，なまず（地震と関連して）などが，人と一緒に話していたり戦っていたりする。動物や妖怪たちは当時，今よりもっと人にとって身近な存在で，日常生活のあらゆるところに彼らの存在を垣間見ていたのかもしれない。

明治時代以降は雑誌や新聞が登場し，それらのメディアで大衆向けの絵や漫画が発表されるようになる。そして，外国の大衆メディアに影響を受けた人たちによる風刺画や漫画も登場するようになる。現代の漫画にストーリーは欠かせないが，絵と文字を使ってストーリーを表現するようになるのも，このころからのようだ。妻の尻にしかれる旦那の日常を描いたものや，少年の冒険談，無職中年男性の日常など，いくつかの作品を読むことができた。

今回の展示会では，当時の普通の人たちの生活を知れたり，彼らが普通に楽しんでいたことを共有できたりして，とても面白かった。最近よく一般人を出演させるテレビ番組を見かけるが，そういうのを見たときに感じる，新鮮さや面白さ，驚きと近いものがある。巷にあふれる偉人の話や大きな出来事もインパクトがあって面白いが，庶民のなにげない日常や暮らしもそれぞれに味があって面白い。